[Image – extraite de la vidéo : Smocking a Smock (2021), Khadija Aziz]

Exposition présentée @ SPOROBOLE, du 5 novembre au 16 décembre 2021.

KHADIJA AZIZ –  SHANIE TOMASSINI – PHILIPPE INTERNOSCIA – MARTIN BEAUREGARD

Les objets qui nous entourent sont rarement univoques. Et ne serait-ce que parce qu’ils nous entourent – et que nous y projetons nos perceptions – nous les investissons de doubles sens, sinon de multiples significations. À l’image du spectre lumineux, ils se décomposent et se diffractent en fantômes d’eux-mêmes sous notre regard et ce qu’il contient de lectures du monde. Ce qui nous habite nous suit nécessairement partout où nous posons les yeux, et notre compréhension de chaque chose, prise isolément, cherche ses accroches sous les surfaces fermes. 

Le Spectre des Objets met de l’avant la manière dont les objets sont réinvestis de sens. La porosité entre le réel et le virtuel – qu’elle soit tangible ou métaphorique – et la façon dont elle affecte la perception de notre environnement immédiat sont au cœur de cette réflexion et des œuvres qui y participent. Les questions de familiarité et d’obsolescence des objets, de même que de fragilité et de malléabilité de la matière y sont aussi soulevées. En écho avec un certain néo-matérialisme, les choses et la perception qu’elles induisent se répondent dans une dynamique de réciprocité.

Le redoublement numérique des objets du monde est à l’image d’un doppelganger fantomatique dont la présence voile et dévoile le réel tout à la fois. L’entrelacement entre le tangible et l’immatériel ne relève plus du spéculatif : il nous accompagne désormais au quotidien. Peu de nos gestes, actions et pensées se trouvent libres d’une relation au numérique. On pourrait dire de ce dernier qu’il est devenu une charge mentale permanente, un spectre perceptif : la matérialité du réel d’une part, son double volatile de l’autre – entre les deux, une constante négociation, un ajustement perpétuel. 

L’installation sculpturale Rosemary Screen (2021) de Shanie Tomassini souligne l’impermanence et le potentiel de transformation de la matière, de même que sa résilience à s’incarner et à se moduler selon les conditions qui lui sont imposées. L’usage d’encens comme matériau permet de mettre en œuvre ce passage d’une forme vers une autre, d’une réalité vers son envers : son image redoublée, réinvestie et transfigurée. Moulés, séchés, puis brulés, ces objets constitués de romarin, de rose, de cèdre, de chêne blanc ou de charbon, se situent alors à distance de leur référence source. C’est-à-dire des téléphones cellulaires, dont la variété de modèles vient marquer le passage du temps et l’obsolescence qu’il engendre. Ces modèles n’ont pas été choisis au hasard : ils ont tous appartenu à l’artiste, soulignant la dimension personnelle de toute temporalité et la tangibilité avec laquelle elle traverse nos vies. Micro-portail entre le réel et le virtuel, le téléphone intelligent est devenu cet objet multifonctionnel dont l’importance permet de mesurer à quel point notre réalité se déploie désormais sous forme d’infinis redoublements dans le monde numérique. Réduire la réalité en cendre ne peut effacer son existence parallèle, son spectre, de zéros et de uns. La virtualisation du monde serait-elle devenue le phénix contemporain?

La question du réinvestissement affectif des objets du quotidien est centrale au propos de la vidéo d’animation CGI Another Day After Eternity (2017) de Martin Beauregard. Si les téléphones de Tomassini partent en cendre, la fragilité et la friabilité du monde est ici évoquée à travers des “motifs” numériques qui agissent comme des extensions d’objets de la vie domestique. Concrètement, ces derniers y sont recouverts et augmentés d’éléments formels ou visuels qui réfèrent, en filigrane, aux événements tragiques des attentats de Paris (2015), de Bruxelles (2016) et d’Istanbul (2016). Le travail du son vient ajouter à l’ensemble en lui conférant des accents de réalité et d’étrangeté, via notamment l’usage – filtré et modifié – d’enregistrements liés à ces événements. Le son s’y trouve par ailleurs matérialisé à travers un corpus d’œuvres sculpturales. Sounding Trauma (2017), une série d’objets présentés en parallèle à la vidéo, fait écho aux manipulations numériques de l’image. Résultats visuels et formels d’impulsions d’ondes sonores sur des éléments de modélisation 3D, les incarnations matérielles qui en ressortent sont habitées du trauma infligé par un certain passage au monde. Nos objets ne sont-ils pas toujours redoublés de nos expériences et de nos émotions?    

L’animation en stop-motion de Khadija Aziz, Smocking a Smock (2021) – dont la forme finale est un GIF animé – nous parle également du réinvestissement de l’objet et de ses états possibles à travers l’entrelacement de la matérialité et de l’immatérialité, du réel et du virtuel. L’œuvre montre le processus d’une technique de point de couture textile appelé «smocking», qui permet à un tissu de s’étirer sans élastiques tout en lui conférant un design dimensionnel particulier. L’artiste a d’abord créé un simple motif de smocking sur du coton blanc, lequel a ensuite été numérisé à plat en générant un léger glitch visuel. L’image déformée qui en est ressortie a été agrandie et imprimée numériquement sur du satin de coton, remettant ainsi à plat le tissu dimensionnel de départ. Dans ce GIF, l’artiste utilise le fil et l’aiguille sur le tissu imprimé pour déformer davantage l’imagerie numérique en reproduisant le motif du smocking d’origine. L’œuvre souligne la manière dont l’hybridité entre le réel et le virtuel modifie non seulement l’objet lui-même, mais aussi notre perception de celui-ci. La répétition, le redoublement des techniques et la superposition du numérique au matériel génèrent un effet de fractionnement spectral qui, à la fois, brouille et éclaire la lecture.

Catalogue (2021), la vidéo d’animation CGI de Philippe Internoscia, déplace nos a priori quant à la perception première des objets en relation à leur référent formel. Au premier coup d’œil, on croit reconnaître une forme, une fonction. Puis rapidement on voit qu’on ne voit pas – ou peut-être voit-on des fantômes? Notre réflexe quasi instantané à déposer un voile de signification sur un objet en regard de ce qu’il représente réellement, crée ici un effet de flou, non pas optique, mais métaphysique : quelle est notre connaissance réelle de cet objet? C’est notre nostalgie perceptuelle qui est à l’œuvre. Sorte de présentoir promotionnel d’objets apparemment fonctionnels, mais qui s’avèrent finalement inutilisables, Catalogue nous plonge dans une contemplation de notre mémoire affective collective. L’agencement formel délirant de ces objets en font les spectres d’une réalité à la fois reconnaissable et insaisissable – l’ensemble étant renforcé par la présence d’une écriture inventée : un langage perdu effacé ou futur impensé. Ce qui est mis à l’avant-plan aussi est notre relation consumériste et productiviste à induire du sens et des besoins dans notre relation à nos environnements et ce qui les composent. Et si ce qui fait sens – pour employer un anglicisme accentuant l’idée d’une certaine fabrication – ne pouvait prendre appui qu’en nous échappant continuellement?

L’artiste tient à remercier le Conseil des Arts du Canada pour son soutien financier.

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The objects that surround us are rarely univocal. And if only because they surround us – and we project our perceptions onto them – we invest them with double meanings, if not multiple significations. Like the light spectrum, they decompose and diffract into ghosts of themselves before our eyes and the readings of the world they carry. What inhabits us necessarily follows us wherever we lay our eyes, and our understanding of each thing, when taken distinctly, seeks its grips under solid surfaces. 

The Spectrum of Objects focuses on how objects are reinvested with meaning. The porosity between reality and the virtual – whether tangible or metaphorical – and how it affects the perception of our immediate environment are at the heart of this reflection and the artworks that participate. Questions of familiarity and obsolescence of objects, as well as fragility and malleability of matter are also evoked. In echo with a certain neo-materialism, things and the perception they induce interact in a dynamic of reciprocity.

The digital duplication of the objects of the world is like a ghostly doppelganger whose presence veils and reveals reality at the same time. The intertwining of the tangible and the immaterial is no longer speculative: it accompanies us from now on in our daily lives. Few of our gestures, actions and thoughts are free from a rapport to the digital. We could say that it has become a permanent mental load, a perceptive spectrum: the materiality of reality on the one hand, its volatile counterpart on the other – between the two, a constant negotiation, a perpetual adaptation. 

Shanie Tomassini‘s sculptural installation Rosemary Screen (2021) emphasizes the impermanence and transformative potential of matter, as well as its resilience to embody and modulate itself according to the conditions imposed upon it. The use of incense as a material allows to realize this passage from a form to another, from a reality to its opposite : its image redoubled, reinvested and transfigured. Molded, dried, then burned, these objects made of rosemary, rose, cedar, white oak or coal, are then situated at a distance from their source reference. That is to say, cell phones, whose variety of models marks the passage of time and the obsolescence it generates. These models were not chosen randomly: they all belonged to the artist, underlining the personal dimension of any temporality and the tangibility with which it crosses our lives. As a micro-portal between reality and the virtual, the smartphone has become a multifunctional object whose importance allows us to measure the extent to which our reality is now deployed in the form of infinite redoublements in the digital world. Reducing reality to ashes cannot erase its parallel existence, its spectre of zeros and ones. Would the virtualization of the world have become the contemporary phoenix?

The question of the affectional  reinvestment of everyday objects is central to the intent of Martin Beauregard‘s CGI animated video Another Day After Eternity (2017). If Tomassini’s telephones go to ashes, the fragility and friability of the world is evoked here through digital “patterns” that act as extensions of objects of domestic life. Concretely, the latter are covered and augmented with formal or visual elements that refer, in filigree, to the tragic events of the attacks in Paris (2015), Brussels (2016) and Istanbul (2016). The work on sound adds to the whole by giving it accents of reality and strangeness, through the use – filtered and modified – of recordings related to these events. Sound is also materialized through a body of sculptural works. Sounding Trauma (2017), a series of objects presented in parallel to the video, echoes the digital manipulations of the image. Visual and formal results of sound wave impulses on 3D modeling elements, the material incarnations that emerge are inhabited by the trauma inflicted by a certain passage through the world. Aren’t our objects always redoubled by our experiences and our emotions?    

Khadija Aziz‘s stop-motion animation, Smocking a Smock (2021) – whose final form is an animated GIF – also speaks to us about the reinvestment of the object and its possible states through the intertwining of materiality and immateriality, the real and the virtual. The work shows the process of a textile stitching technique called “smocking”, which allows a fabric to stretch without elastics while giving it a particular dimensional design. The artist first created a simple smocking pattern on white cotton. This was then scanned flat, generating a slight visual glitch. The distorted image that emerged was then enlarged and digitally printed onto cotton sateen, resetting the original dimensional fabric. In this GIF, the artist uses thread and needle on the printed fabric to further distort the digital imagery by replicating the original smocking pattern. The work highlights how the hybridity between the real and the virtual modifies not only the object itself but also our perception of it. The repetition, the redoubling of techniques, and the superimposition of the digital on the material generate an effect of spectral splitting that blurs and enlightens the reading all at once.

Catalog (2021), Philippe Internoscia‘s CGI animation video, shifts our assumptions about the primary perception of objects in relation to their formal referent. At first sight, we think that we recognize a form, a function. Then quickly we see that we do not see – or perhaps we see ghosts? Our almost immediate reflex to put a layer of meaning on an object in relation to what it really represents, creates here a blurring effect, not optical, but metaphysical: what is our real knowledge of this object? It is our perceptual nostalgia that is working. A kind of promotional display of apparently functional objects, but which turns out to be useless in the end, Catalog plunges us in a contemplation of our collective emotional memory. The delirious formal assembly of these objects make them specters of a reality that is both recognizable and elusive – the whole being reinforced by the presence of an invented writing: an erased lost language or unthought future. What is also brought to the forefront is our consumerist and productivist relationship to inducing meaning and needs in our relationship to our environments and what composes them. What if what makes sense – to use an Anglicism that accentuates the idea of a certain fabrication – can be sustained by continually escaping us?

The artist wishes to thank the Canada Council for the Arts for its financial support.

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